La saga levanta cabeza (Men in Black III)

MEN IN BLACK III

Título original:  Men in Black III

Año: 2012

País: España

Director: Barry Sonnenfeld

Guionistas: Ethan Cohen, David Koepp, Lowell Cunningham, Jeff Nathanson y Michael Soccio.

Reparto:  Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Broling, Jemaine Clement, Emma Thompson y Alice Eve.

Storyline: El agente J debe viajar al pasado para evitar que un extraterrestre mate a su mentor en los hombres de negro.

Corría el año 1997 cuando Men in Black reventó la taquilla. Los motivos: su mezcla de humor y ciencia ficción y un Tommy Lee Jones y un Will Smith que se complementaban de maravilla. Cinco años más tarde llegaría la segunda parte de la saga, que no disfrutó de tanto éxito entre los espectadores y, por qué no decirlo,  no tuvo ni tanta gracia ni tanto tino.

Ahora nos llega la tercera entrega de las aventuras de los agentes K y J. Aunque, en esta ocasión, será Will Smith el que tomará las riendas de la película, evitándole a Tommy Lee Jones muchas escenas de acción puesto que el pobre ya no está para tantos trotes.

Así pues,  Smith viajará al pasado (sí, en Men in Black III si compras una de extraterrestres te regalan una de viajes en el tiempo) para cambiar un presente en el que el personaje de Lee Jones ha muerto. Esto conllevará encontrarse con la versión sesentera y juvenil de su compañero de traje.

Durante este salto en el tiempo se sucederán diversos gags cómicos, algunos realmente divertidos y acertados (como uno del crack del 29 o el de Bill Hader interpretando a Andy Warhol) y otros menos agudos (como el de Emma Thompson hablando en un idioma extraterrestre).

En lo que a Will Smith se refiere, el actor vuelve a demostrar lo bien que se le da sacar a la luz su faceta más humorística, que había dejado un poco apartada últimamente para centrarse en papeles más dramáticos. Respecto a Tommy Lee Jones cabe decir que pocos son los minutos de metraje en que aparece y que en ellos sigue con su papel de hombre inexpresivo y formal que hace parecer a Smith más expresivo e informal.

En términos generales, la película ofrece más de lo que parece al ver su  tráiler oficial,  que la enfoca desde un ángulo bastante simplón e infantilillo más similar al del fallido Men in Black II. Nos encontramos con una película entretenida que ha sabido abandonar la senda de la segunda parte de la saga para retomar la de la primera. Una decisión acertada que ha llevado a crear una película divertida con aires noventeros y que hará pasar un buen rato a todo aquél que no espere demasiado de ella.

Lo mejor: El gag en que Bill Hader encarna a Andy Warhol.

Lo peor: Alguna que otra broma que se repite hasta desgastarse.

Escrito por Elena Zafra

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Reír ante la adversidad (Intocable)

INTOCABLE

Título original:  Intouchables

Año: 2011

País: España

Director: Olivier Nakache y Eric Toledano.

Guionistas: Olivier Nakache y Eric Toledano.

Reparto:  François Cluzet, Omar Sy, Audrey Fleurot y Anne Le Ny.

Storyline:Un tetrapléjico multimillonario contrata a un joven de los suburbios con antecedentes penales que devolverá la alegría de vivir.

No es nada común que un tetrapléjico sea el protagonista de una comedia. Lo más sencillo sería caer en el dramatismo sentimentaloide fácil o en la banalización de la situación, pero Intocable no llega a ninguno de esos extremos y es capaz de encontrar un equilibrio perfecto que le permite hacernos disfrutar de un humor inteligente sin olvidar la trágica situación de su personaje principal.

Intocable nos hace reír y nos emociona porque es tierna, divertida y creíble. Se basa en la historia real de un tetrapléjico multimillonario que contrató para que le cuidara a alguien que no parecía el candidato más idóneo, un hombre de los suburbios parisinos con antecedentes penales. Pero, inesperadamente, entre ellos se creo un vínculo muy fuerte que acabaría cambiando la vida de ambos.

Esta relación simbiótica se ve muy bien reflejada en la película. François Clozet y Omar Sy son capaces de transmitir al espectador como, lentamente, se va creando esa conexión entre los personajes. Ambos demuestran sus capacidades interpretativas. Sy ilumina la pantalla con su sonrisa y provoca carcajadas por doquier.  Clozet , aunque se está limitado porque tan sólo puede expresarse con la cara ya que su personaje está postrado en una silla de ruedas, deja boquiabierto al espectador con su matizado, sereno y genial trabajo.

El dueto protagonista es el que da fuerza y entidad al relato pero los secundarios están más que correctos en su papel y salpimentan esta comedia capaz de deleitar tanto a los paladares más exquisitos como al gran público.  Es un film eminentemente positivo que insta a superar todos los obstáculos, por difícil que parezca, y que demuestra que la amistad no entiende de razas ni de clases sociales, todo ello sin ser excesivamente edulcorada y manteniendo la frescura.

Si tuviera que poner alguna pega a la película sería que el ritmo se ralentiza en algunos momentos y que es un poco irregular,  pero no llega a hacerse pesada. Intocables nos obsequia con un humor blanco aunque el personaje de Omar Sy se encarga de romper con lo políticamente correcto y de ofrecer un punto de vista inocente pero algo gamberro.

Intocable no profundiza en el drama subyacente de la tetraplejia pero ése no es el objetivo del film.  Lo que pretende es demostrar que, por muchas adversidades que se nos presenten, siempre es posible encontrar la felicidad, aunque para ello necesitemos esforzarnos al máximo y contar con una mano amiga.

Lo mejor: La química entre los protagonistas.

Lo peor: Alguna escena que se alarga demasiado.

Escrito por Elena Zafra

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Cuando sólo te queda un sueño (Albert Nobbs)

ALBERT NOBBS

Título original:  Albert Nobbs

Año: 2011

País: Reino Unido e Irlanda

Director: Rodrigo García

Guionistas: Glenn Close y John Banville

(Basado en “La singular vida de Albert Nobbs” de Geroge Moore).

Reparto:  Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Janet McTeer, Jonathan Rhys Meyers y Brendan Gleeson.

Storyline: En el dublín victoriano, una mujer debe hacerse pasar por hombre para conseguir trabajo y ganarse la vida.

Glenn Close lleva cautivada por la historia de esta mujer que se  hace pasar por hombre desde que la interpretó en  los escenarios de Broadway hace más de treinta años. Tanto es así que la actriz no tan sólo ejerce de protagonista indiscutible, sino que también es co-guionista y productora de la adaptación cinematográfica de este relato.

Es comprensible la atracción que Close siente por Albert Nobbs ya que es un papel complejo pero que le permite dar lo mejor de si misma. No sin motivo fue nominada a los Globos de oro por él y ahora le ha dado la oportunidad de luchar por ese óscar que parece rehuir a la actriz.

Nobbs , que trabaja como Maître en un prestigioso hotel dublinés, es alguien muy peculiar, no por el hecho de que deba travestirse para ganarse la vida, sino porque todos esos años pretendiendo ser quien no es, le han cambiado. Es una persona asexuada que no se siente hombre ni mujer, que se mantiene alejada de todos por miedo a que descubran su secreto y cuyo único objetivo en la vida es el de ahorrar el máximo de dinero posible para montar un estanco. Ha reprimido sus sentimientos durante tanto tiempo que estos se han diluido y tan sólo queda de ellos el eco del sueño de tener su propio negocio.

Este deseo, que parece ser lo único que hace seguir adelante a este desarraigado y algo pusilánime personaje,  incluye a una mujer que la ayude a llevar la tienda y que sea su esposa, su único apoyo y compañía. Nobbs verá en Helen (Mia Wasiokwska) a  una posible cónyuge. Pero el personaje de Wasikowska es completamente opuesto al de Nobbs, toda ella es feminidad,  despreocupación y pasión desaforada y juvenil. Como era de esperar, la joven no verá en el serio y callado camarero a su pareja ideal sino que tendrá una aventura con el impetuoso y atolondrado Joe (Aaron Johnson). De este modo aparece el extraño triangulo amoroso que configura el eje central de la película.

Cabe decir que las particularidades de Nobbs lo convierten en alguien con quien difícilmente el espectador podrá sentirse identificado.  Sus sentimientos están ocultos durante gran parte del film y cuesta mucho comprenderle ya que es totalmente cerrado de miras y no ve nada más allá de conseguir su pequeña ambición. Resulta más entrañable el personaje al que da vida Janet McTeer, que nos demuestra sus capacidades interpretativas aunque se mantiene a la sombra del protagonista.

La película, si excluimos a Close y McTeer no sería especialmente destacable y se convertiría en una historia más, pero ambas dan fuerza a un relato que tiene un ritmo irregular con algunas situaciones realmente dramáticas e interesantes pero con momentos algo flojos.  A pesar de ello, el resultado general es muy atractivo y llevará a más de uno a la reflexión.

Lo mejor: Close y McTeer, dándolo todo por insuflar vida a sus  personajes.

Lo peor: Algunas escenas que se alargan y no aportan demasiado.

Escrito por Elena Zafra

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Detective con casco y bayoneta (Silencio en la nieve)

SILENCIO EN LA NIEVE

Título original:  Silencio en la nieve

Año: 2011

País: España

Director: Gerardo Herrero

Guionista: Nicolás Saad

(Basado en una novela de Ignacio del Valle).

Reparto:  Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Jordi Aguilar, Víctor Clavijo  y Sergi Calleja.

Storyline: Un soldado ex policía investiga el asesinato en extrañas circunstancias de un miembro de la División Azul.

Aunque esté ambientada en el frente de batalla sería equivocado clasificarla como una película bélica. Es cierto que la protagonizan soldados y los bombardeos y los tiroteos están a la orden del día,  pero es una película policíaca/ detectivesca con tintes de thriller. El protagonista es un Juan Diego Botto que ejerce de investigador aunque lleve el uniforme de la División Azul. La guerra aparece tan sólo como telón de fondo  aunque añade dramatismo e impacto.

Pero esto no es lo único en lo que la película resulta innovadora. El escenario bélico que acompaña la investigación no es la Guerra Civil, que nuestro cine ha retratado ya en innumerables ocasiones (quizás demasiadas), si no el de la lucha de la División Azul en Rusia; un episodio histórico que parece olvidado por muchos y que se recrea muy bien en la película. Se tiene gran cuidado de los uniformes, el armamento y de que toda la ambientación, en general, sea la adecuada. Además los extensos parajes nevados en que se localiza la acción la hacen visualmente muy atractiva. De hecho, para disponer de un clima y paisaje similar al ruso el equipo se trasladó a rodar a tierras lituanas.

Aunque no todo es cuestión de ambientación, Silencio en la nieve se basa en una novela, lo que suele implicar que la historia tenga unos cabos bien atados y una trama elaborada. En este caso es así y aunque los personajes están poco definidos en el film, la narración resulta atractiva. La película nos brinda algunas escenas impactantes, como la de unos caballos congelados cual estatuas ecuestres o la del juego mortal de la violeta (o ruleta rusa) en la que Sergi Calleja hace un gran trabajo.

A pesar de ello el film no es capaz de mantener la tensión durante todo el metraje y tiene momentos de subidas y bajadas.  Algunas sub-tramas como la del romance del protagonista y una mujer rusa están desdibujadas y son algo vagas y poco interesantes. En cualquier caso nos encontramos ante una película original que se atreve a mezclar géneros y que cuenta con una buena historia y con una ambientación muy cuidada.

Lo mejor: La escena inicial de los caballos congelados, a la que sigue muy de cerca la del juego de la violeta.

Lo peor: Algunos personajes algo vagos y poco definidos.

Escrito por Elena Zafra

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Alma en venta (La chispa de la vida)

LA CHISPA DE LA VIDA

Título original:  La chispa de la vida

Año: 2011

País: España

Director: Álex de la Iglesia

Guionista: Randy Feldman

Reparto: José Mota, Salma Hayek, Blanca Portillo, Fernando Tejero, Juan Luis Galiardo, Antonio Garrido, Santiago Segura y Carolina Bang.

Storyline: Un hombre sin trabajo y desesperado sufre un  accidente en que se le clava un hierro en el cráneo y no pueden moverlo del lugar de los hechos porque peligra su vida.

¿Qué precio tiene la dignidad? Álex de la Iglesia parte de esta pregunta en una película enmarcada en una situación económica que lleva a muchos a la desesperación. El director de El día de la bestia, de hecho, afirmó durante la rueda de prensa de la presentación de La chispa de la vida en Barcelona  que la dignidad se había devaluado con la crisis, antes costaba lo que valía “un yate” y ahora es suficiente con que asegure “la supervivencia de tu familia”.  ¿Es oportunista un mensaje así en los tiempos que corren? Puede, pero tratar temas que importen a la gente es algo esencial para cualquier película.

La chispa de la vida es, en parte,  un drama lleno de tensión y emotividad pero, también, una comedia muy negra.  La conjunción de estas dos facetas no es tarea sencilla y para conseguirlo se caricaturizan y exageran personajes y situaciones. En algunos casos se hace con muy buenos resultados, en otros (como ése director del canal “Antena 5” rodeado de chicas ligeritas de ropa), no se consigue el tono adecuado. Además la crítica social y económica se realiza de una manera demasiado explícita. Aunque ello no la invalide, el espectador podría haber llegado a las mismas conclusiones sin necesidad de que, por ejemplo,  el personaje que interpreta José Mota hiciera un discurso en que pone a caer de un burro a los bancos, aunque seguro que se quedó muy a gusto.

La elección del cómico José Mota sorprendió a muchos, aunque está justificada por la necesidad de un actor que tenga una buena gestualidad facial, dado que, durante casi toda la película, el protagonista está ensartado en un hierro y no puede moverse. Además Mota hace una gran interpretación y demuestra que es capaz de ir más allá de la comedia pura y dura. Pero el ex Cruz y Raya  no es el único actor al que solemos ver en la pequeña pantalla que aparece en el film. Una dura arquitecta Blanca Portillo, un doctor Antonio Garrido y un Santiago Tejedor que ejerce de representante maquiavélico, alejándose mucho de los papeles en que solemos verle, son tan sólo algunos de los miembros de este amplio reparto  en el que la internacional Salma Hayek ejerce de guinda del pastel. Todos ellos están al servicio de una dura crítica al circo de la televisión que encuentra en un anfiteatro romano su escenario perfecto.

Es un film cambiante que empieza a modo de comedia absurda, pero que gira hacia una vertiente muy negra y dramática. Al ser tan sorprendente y particular probablemente generará opiniones enfrentadas: puede  que encante a algunos y que otros la odien, pero no dejará a nadie indiferente.

Lo mejor: Esos cambios de tono que la hacen saltar de la comedia negra, al drama.

Lo peor: Algunos personajes y situaciones excesivamente caricaturizadas.

Escrito por Elena Zafra

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Fincher reinventa a la chica con el tatuaje del dragón (Milennium: Los hombres que no amaban a la mujeres)

MILENNIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (FINCHER)

Título original:  The Girl with the Dragon Tattoo

Año: 2011

País: Estados Unidos, Suecia, Gran Bretaña y Alemania.

Director: David Fincher

Guionista: Steven Zaillian

(Basado en las novelas de Stieg Larsson)

Reparto: Daniel Craig, Rooney Mara, Stellan Skarsgård,  Robin Wright, Christopher Plummer y Joely Richardson.

Storyline:Un periodista en horas bajas y una excéntrica hacker aúnan fuerzas en la investigación de una mujer desaparecida.

Cuando oyes que por tierras hollywodienses se ha hecho una nueva versión de la ya desgastada trilogía de Stieg Larsson la primera reacción es pensar, otro remake made in U.S.A., no, gracias. Pero cuando te enteras de que detrás del proyecto está David Fincher te lo miras con otros ojos y comienzas a preguntarte cual será el enfoque que dará el director estadounidense al oscuro y perverso mundo de estas novelas suecas.

En primer lugar, se ha de matizar que después de ver la película queda claro que no nos encontramos ante un remake sino frente a una nueva versión de las novelas. Sí, es cierto que las películas suecas comparten mucho con el film de Fincher pero parece que el director de Seven y El Club de la lucha se ha basado más en los escritos de Larsson que en la versión cinematográfica del país nórdico.

Fincher, de hecho, incluirá mucho material que aquellos que leímos con avidez las novelas echábamos de menos en la película escandinava.  Veremos, pues, a una Lisbeth Salander que mantiene su inestabilidad emocional acompañada de una gran inteligencia, pero que también se dulcifica en algunas escenas con su primer tutor, que sufre una apoplejía. Cabe destacar también que en este film se profundiza más en el periodista Mikael Blomkvist, un personaje muy atractivo pero que queda a menudo eclipsado  por la excéntrica y magnética Salander.

Sin duda la hacker es la estrella de la película y, por lo tanto,  lo es Rooney Mara que sabe coger bien el testigo a Noomi Rapace, que ya aprovechó en la versión sueca las posibilidades interpretativas que otorga encarnar a la compleja Salander. Menos llamativo pero muy correcto está Daniel Craig dando vida al periodista coprotagonista.

Si se le hubiera de poner alguna pega al film diría que, a parte del hecho de que la historia está bastante vista, el final se alarga demasiado. Durante toda la película el ritmo es vertiginoso pero al llegar el desenlace éste se extiende demasiado, aunque se ha de admitir que de este modo no deja cabos sueltos.

A parte de eso, nos encontramos ante una película fascinante que no deja indiferente al espectador y que le hace vibrar en la butaca ya desde sus sorprendentes créditos iníciales, que tienen un aire de película de James Bond a lo metalero.  Además Fincher es capaz de generar gran tensión y de dar el enfoque adecuado a algunas escenas crudas pero claves para el desarrollo de la historia y que dejan huella en todo aquel que vea la película.

Lo mejor: Que Fincher sabe darle un enfoque muy propio a la historia.

Lo peor: Todavía tenemos muy presente la historia y por ello resulta poco novedosa.

Escrito por Elena Zafra

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Extraterrestres sin chispa (La hora más oscura)

LA HORA MÁS OSCURA

Título original:  The darkest hour

Año: 2011

País: Estados Unidos

Director: Chris Gorak

Guionistas: Jon Spaihts, Leslie Bohem y M.T. Ahern.

Reparto: Emile Hirsch, Olivia Thirlby,  Max Minghella, Rachael Taylor y Joel Kinnaman.

Storyline: Moscú es atacado por extraterrestres invisibles, un grupo de estadounidenses que está en la capital rusa intenta sobrevivir a la invasión.

Cuando estás viendo una película que pretende ser seria pero eres incapaz de aguantarte la risa, no es buena señal.  La hora más oscura es capaz de provocar en varias ocasiones una de esas risitas que están entre el sarcasmo y el desconcierto. Motivos no faltan, esta invasión de alienígenas invisibles está cargada de situaciones inverosímiles y cuenta con unos personajes tan planos y estereotipados que poco te interesa saber qué va a ser de ellos. De hecho, aunque algunos personajes pasan a mejor vida, la muerte que más impactó a una servidora fue la de un pobre perro que pasaba por allí, al que fulminó un extraterrestre.

Pero el animal en cuestión no es el único que sale mal parado de La hora más oscura. Para intentar protegerse de los extraterrestres, que se sienten atraídos por la electricidad, los personajes utilizarán materiales aislantes. El resultado será: un pobre gato al que rodearan de cables y un caballo cargado de trastos, entre ellos una matrícula de coche que le colgarán en la cabeza. Los animales no serán los únicos en llevar extraños atuendos, se pondrán de moda las “armaduras” hechas con llaves y llevar bombillas colgando del cuello (a modo de “dispositivos de detección”). Además el guion apenas justifica con dos o tres frases vagas toda esta extraña parafernalia y los diálogos dejan mucho que desear.

Algo curioso del film, que se sitúa en Moscú, es que muestra a unos rusos que no son “los malos”, como suele suceder en muchas películas Hollywoodienses, pero  los  personajes moscovitas que aparecen son totalmente caricaturescos. Por un lado está un científico loco que ha creado en tan sólo una semana ha convertido su piso en una jaula de hierros. Por el otro, un montón de rusos peleones vestidos con los atuendos que antes he mencionado y deseando dar caña a unos alienígenas  a los que ni siquiera pueden ver.  El resto de personajes rusos no se quedan a la zaga de estos.

Creo que, llegados a este punto, os sentiréis algo confusos porque os he hablado de gente y animales acarreando materiales aislantes y bombillas para evitar a unos extraterrestres “electrófagos” e invisibles que atacan Moscú… Bueno, ¿qué queréis que os diga? La historia es así.

Si dejamos la narración a un lado veremos que a nivel visual tampoco es que sea nada del otro mundo. Sí, hay buenos efectos especiales en algunos momentos pero durante tres cuartas partes de la película no vemos a los alienígenas y nos limitamos a seguir lucecitas con la mirada. Además el 3D no está demasiado trabajado y sólo sirve para tirar a la cara al espectador algún que otro pedazo de extraterrestre chamuscado.

En conclusión, La hora más oscura es una historia sobre personajes olvidables enzarzados en una trama mal enlazada que tan sólo es capaz de provocar algo que no busca, la risa.

Lo mejor: La premisa de una invasión de seres invisibles.

Lo peor: El soliloquio de uno de los luchadores rusos.

Escrito por Elena Zafra

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Segundo asalto (Sherlock Holmes: Juego de sombras)

SHERLOCK HOLMES: JUEGO DE SOMBRAS

Título original: Sherlock Holmes: A Game of Shadows

Año: 2011

País: Estados Unidos

Director: Guy Ritchie

Guionistas: Michele Mulroney, Kieran Mulroney

(Basado en las novelas de Arthur Conan Doyle)

Reparto: Robert Downey Jr. , Jude Law, Jared Harris, Noomi Rapace y Rachel McAdams.

Storyline: El detective Sherlock Holmes y su fiel amigo Dr. Watson, unen sus fuerzas para enfrentarse al Profesor Moriarty cuyos planes podrían cambiar la historia.

En 2009 Guy Ritchie nos mostraba su particular versión del clásico de Arthur Conan Doyle. Sherlock Holmes adquiría entonces un deje gamberro y alocado y sería encarnado por un actor acostumbrado a este tipo de papeles, Robert Downey Jr. Por otro lado, el centrado Dr. Watson sería interpretado  por un Jude Law que ejercería de Sancho Panza del excéntrico aunque brillante detective.

Ahora nos llega esta segunda parte que nace como resultado del éxito en taquilla de su predecesora y que continua explotando el rol físico y de acción que otorgó al personaje de Conan Doyle. A la primera película se le había de reconocer que, gustase o no, era capaz de sorprender gracias a su personal y curiosa visión del detective más famoso del mundo.  En este segundo asalto ya no hay efecto sorpresa y no se cuenta con el gancho de su predecesora.

El humor, uno de los puntos fuertes del Sherlock de 2009, está presente en Juego de Sombras aunque se reaprovechan muchos gags que funcionaron entonces pero que, a estas alturas, resultan repetitivos (como Holmes volviendo a experimentar con el perro de Watson). Por otro lado, la acción juega un papel importante y se mantienen esas curiosas batallas cuerpo a cuerpo en las que Holmes prevé a cámara lenta el próximo movimiento de su adversario, aunque tan sólo son más de lo mismo.

La trama, más compleja que la de su predecesora, traspasa las fronteras de la Gran Bretaña victoriana e incluye a dos personajes claves: una misteriosa adivina a la que da vida Noomi Rapace (que ha abandonado las botas y piercings de Lisbeth Salander),  y el único capaz de rivalizar con el ingenio de Holmes, el matemático (y boxeador de duro gancho según Ritchie) James Moriarty (Jared Harris). A pesar de ello, estos personajes quedarán eclipsados por aquello que hace que todo el film siga adelante: esa relación amor-odio entre Holmes y Watson que es tan magnética e hilarante.

En definitiva, nos encontramos ante un film que sigue la estela de su predecesor y consigue ser entretenido y dinámico aunque no cuenta con el efecto sorpresa que tanto bien le hizo a la primera parte. En cualquier caso, puede hacer pasar un buen rato al espectador ya que cuenta con algunos momentos divertidos  y un buen ritmo (aunque algunas escenas de acción se alarguen), pero poco queda en ella del detective que ha cautivado a generaciones.

Lo mejor: La partida de ajedrez entre Moriarty y Holmes.

Lo peor: Que sea un poco repetitiva.

Escrito por Elena Zafra

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Meryl Streep en el 10 de Downing Street (La Dama de Hierro)

LA DAMA DE HIERRO

Título original: The Iron Lady

Año: 2011

País: Gran Bretaña y Francia.

Director: Phyllida Lloyd

Guionistas: Abi Morgan

Reparto: Meryl Streep, Jim Broadbent,  Richard E. Grant, Alexandra Roach y Harry Lloyd.

Storyline: Película basada en la vida de la ex Primera Ministra del Reino Unido Margaret Thatcher.

La oscarizada actriz parece decidida a ganarse el favor de los académicos por tercera vez. Está por ver si Meryl Streep conseguirá la preciada estatuilla, pero todo el film parece enfocado a dar a la intérprete estadounidense la oportunidad de lucirse y, sin lugar a dudas, lo hace. Streep brilla con luz propia en una interpretación rica y llena de matices, tanto cuando interpreta a la Margaret Thacher dura y firme de su época de Primera Ministra, como cuando baja de los podios para encarnar a la anciana que lucha contra el inexorable paso de la demencia senil. También hay un pequeño espacio en el film para un Jim Broadbent, que da vida a su marido, convirtiendo al hombre que siempre estuvo a la sombra de la líder política en un entrañable y bienintencionado personaje.

Dejando a Broadbent a parte, en La Dama de Hierro todo gira en torno a Meryl Streep. Con ello no pretendo decir que la película no tenga más alicientes. La vida de Thacher da mucho de sí, es una figura controvertida donde las haya, que dirigió Gran Bretaña en una época convulsa. El film parece ponerse del lado de los partidarios del thacherismo ya que ensalza a la que fue Primera Ministra. A pesar de ello, también se muestran algunos rasgos negativos de la conservadora. En la parte final del film podemos ver a una Thacher poco dialogante, de difícil trato y cerrada de miras.  Pero se ha de admitir que  La Dama de Hierro se centra excesivamente en las luces de la líder británica y suaviza sus sombras.

El film hace un repaso a la vida de Margaret Thacher partiendo de una Dama de Hierro ya anciana y que está perdiendo el juicio a la que asaltan los fantasmas de su pasado. De este modo se salta en el tiempo para poder tratar muchos de los acontecimientos que marcaron la vida de la política. La parte positiva es que esta estructura permite al film tener un buen ritmo, ser variado y abarcar muchos episodios de la vida de Thacher. La parte negativa es que no se le dedica mucho tiempo a algunos momentos claves de la historia y que no hay espacio para la reflexión. Se convierte así en algo más parecido a un escaparate que en un análisis real de la figura de la primera mujer que llegó a lo más alto de las esferas políticas británicas.

Podemos decir, pues, que en la Dama de Hierro encontramos a una más que excelente Meryl Streep al servicio del ensalzamiento de la figura de Margaret Thacher (con algún que otro leve apunte crítico). Una película con un ritmo rápido y constante que no solemos ver en biopics pero que, quizás por eso mismo, pierde algo de profundidad en pos de una visión más subjetiva y emotiva.

Lo mejor: La magnífica interpretación de Meryl Streep.

Lo peor: Que se glorifique tanto la figura de Margaret Thacher,  perdiendo así una necesaria mirada crítica.

Escrito por Elena Zafra

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Si no lo ves, no lo crees (No tengas miedo a la oscuridad)

NO TENGAS MIEDO A LA OSCURIDAD

Título original: Don’t be afraid of the dark

Año: 2011

País: EUA y Australia.

Director: Troy Nixey

Guionistas: Guillermo del Toro y Matthew Robbins.

Reparto: Katie Holmes, Guy Pearce, Bailee Madison, Jack Thompson y  Julia Blake.

Storyline: Una niña se va a vivir con su padre y su nueva pareja a una enorme caserón que oculta algo, algo a lo que no le gusta la luz.

Todo comenzó con unos padres que dejaban ver a su hijo películas de terror que no eran muy adecuadas para su edad. Ese niño se quedó fascinado por un telefilm serie B que despertó su imaginación. Probablemente entonces le llamaban Guillermito, ahora le conocemos, como Guillermo del Toro. Quince años lleva el director y productor mejicano intentando llevar a cabo el remake del telefilm que tanto le marcó y ahora, por fin, ha logrado su objetivo.

Por desgracia Del Toro tan sólo ha trabajado como productor y co-guionista junto con Matthew Robbins y ha dejado la dirección en manos del novel Troy Nixey. El resultado final, probablemente,  habría sido mucho mejor si el que hubiera llevado la batuta fuera el mejicano.

Nos encontramos ante un clásico del terror: nuevo inquilinos en una mansión antigua, enorme y escalofriante desatan las fuerzas ocultas de la casa.  La película incluso tiene los típicos personajes de “el que sabe más de lo que cuenta pero no está dispuesto a soltar prenda” (el jardinero, en este caso) y de “aquél Pedro que avisa de que viene el lobo pero al que nadie cree” (la niña protagonista). La película está llena de clichés y en ocasiones resulta algo inverosímil. Los personajes son bastante planos aunque cálidos y tiernos (sorprendente para un film de terror, aunque  no por ello desagradable), especialmente la  niña a la que nadie cree y su madrastra, una Katie Holmes que se desvive por gustar a la chiquilla.

El toque original lo aportan las criaturas que habitan la casa de las que no se revela la identidad hasta que el film está muy avanzado y se crea bastante expectación por saber más sobre ellas. De hecho es a partir del momento en que se sabe de qué seres estamos tratando cuando el film hace un giro y pasa de tener un ritmo algo lento para ser una película de terror a pillar carrerilla.

No tengas miedo a la oscuridad responde a los estereotipos de las  películas de “casa encantada” y lo único que la diferencia del resto es que los seres que habitan el caserón no son los típicos fantasmas. A algunos no les gustaran las criaturas y las verán algo absurdas, otros consideraran que son un buen gancho y aquello que hace especial el film.

Lo mejor: No cae en el recurso fácil de que haya espíritus en el caserón.

La peor: Alguna situación que de tan inverosímil hace soltar alguna risita (¿de dónde sale tanto objeto punzante?)

Escrito por Elena Zafra

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