Abandonando la inocencia (Los niños salvajes)
LOS NIÑOS SALVAJES
Título original: Els nens salvatges
Año: 2012
País: España
Director: Patricia Ferreira
Guionistas: Patricia Ferreira y Virginia Yagüe
Reparto: Marina Comas, Àlex Monner, Albert Baró, Aina Clotet, Ana Fernández, Eduardo Velasco y Mercè Pons.
Storyline: Álex, Gabi y Oki, tres adolescentes que viven en una gran ciudad, son unos perfectos desconocidos para sus padres, para sus profesores y para sí mismos.
Clasificar a Los niños salvajes como un film adolescente es un error a medias ya que trata sobre la adolescencia aunque no es para adolescentes. Con esto no quiero decir que no la recomiende a los jóvenes, al contrario, creo que puede abrir el debate entre ellos y sería bueno que la vieran, sino que mi intención es la dejar claro que no es un film que vaya dirigido a su diversión y entretenimiento. Es una película madura que lleva a la reflexión sobre esa difícil y rebelde fase por la que todos hemos pasado con mayores o menores penurias. Una época de cambios en la que descubrimos que crecer no es tan divertido como pensábamos.
Los tres protagonistas del film chocan con esta realidad de manera abrupta y se alejan de su inocencia infantil aunque su falta de experiencia hace que sus pasos sean inseguros y vayan mal encaminados. Los personajes encuentran en tres jóvenes actores promesa una buena encarnación, especialmente en Marina Comas, que ya nos demostró su valía en Pan negro y que está magnífica en algunas escenas de Los niños salvajes.
Más allá de las interpretaciones de los actores cabe destacar de esta merecida triunfadora del Festival de Málaga la gran recreación que se hace de los institutos actuales en la película. Se perciben las dinámicas estudiantiles y la relación alumno – profesor que rige en los tiempos que corren. Una relación muy distinta a la que había hace años y a la que muchos han puesto la etiqueta de irrespetuosa, olvidando que también es más cercana y comprensiva en algunos casos (como en el del personaje al que da vida Aina Clotet).
Además, aquellos que puedan ver la película en versión original podrán disfrutar de un fiel reflejo de la realidad lingüística catalana ya que el catalán y el castellano se alternan de una forma muy natural, tal y como ocurre en la calle cotidianamente.
Me gustaría entrar en debate sobre el final de la película pero no es fácil hacerlo sin destripar el desenlace. Lo que sí que puedo decir es que muchos verán la conclusión algo injustificada, puede que haya quien que piense que tan sólo busca el impacto de forma arbitraria, pero es precisamente en esta aparente ilógica, en éste “por qué” sin respuesta dónde se encuentra la fuerza del relato.
Escrito por Elena Zafra
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Tom Cruise torna a la càrrega (Oblivion)
OBLIVION
(Crítica en català)
Títol original: Oblivion
Any: 2013
País: Regne Unit
Director: Joseph Kosinski
Guionistes: Joseph Kosinski, Michael Arndt y Karl Gajdusek.
Repartiment: Tom Cruise, Olga Kurylenko, Andrea Riseborough, Morgan Freeman y Nikolaj Coster-Waldau.
Storyline: Jack Harper és un dels últims humans que habiten la Terra desprès d’un atac extraterrestre.
No hi ha cap mena de dubte que al cienciòleg més famós li encanta lluir-se i demostrar-nos que encara està en prou forma com per plantar cara a les exigències de les escenes d’acció. En Tom Cruise és l’estrella d’aquest film que ens mostra un futur poc encoratjador en que el nostre planeta és gairebé inhabitable.
El món en el qual ens situa el film té dues cares. D’una banda trobem una Terra contaminada i inhòspita però en la qual encara sembla créixer el brot de la esperança i que ens sorprèn amb paisatges que ens deixen sense alè. D’altra banda veiem la torre en la què viuen el protagonista i la seva companya tant sentimental com de treball (Andrea Riseborough). Aquest torre, situada a 10.000 metres d’alçada, és un microcosmos futurista en el qual les màquines són essencials per coordinar les rutinàries missions de “neteja” a la Terra que realitza la parella de personatges principals.
La narració és interessant i entretinguda tot i que els seus girs de guió en algunes ocasions són massa bruscos i en altres, massa previsibles. La idea de partida és bona però no se’n treu tot el suc que es podria. A qui tampoc s’aprofita massa és a en Morgan Freeman que només fa un paper secundari bastant pla i tòpic. Més temps en pantalla passa la noia Bond Olga Kurylenko a la qual ja vam veure a Quantum of Solace (2008) i que ara forma part d’un triangle amorós no massa atractiu.
El director d’Oblivion, Joseph Kosinski, es redimeix amb aquesta correcta pel·lícula del seu fallit Tron Legacy (2010) però tampoc crea un film inoblidable. En definitiva, podríem dir que Oblivion ens ofereix una historia amena però no destacable amb un interessant embolcall d’esteticisme futurista.
Escrit per Elena Zafra
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Publicat a El diari del Vallès
Cert però increïble (El impostor)
EL IMPOSTOR
(Crítica en català)
Títol original: The imposter
Any: 2012
País: Regne Unit
Director: Bart Layton
Repartiment: Adam O’Brian , Anna Ruben, Cathy Dresbac i Alan Teichman.
Storyline: Documental sobre un noi que es va fer passar per un nen nord-americà desaparegut tot i no assemblar-s’hi gens.
Un nen estadounidenc de 13 anys desapareix. Tres anys més tard, un noi d’un centre de menors espanyol afirma ser el desaparegut texà. Però aquest no només ha fet els canvis propis de l’adolescència: el seu color d’ulls i de cabell són diferents, parla amb accent francès i sembla tenir uns vint i pocs anys. Tot sembla indicar que ens trobem davant d’un impostor però la família l’acull a casa seva i no qüestiona la seva identitat.
Sense cap mena de dubte, si un guionista escrivís això la gent se’n riuria per considerar-ho inverosímil i absurd. Però, i si resulta que és una historia real? El impostor és un documental totalment sui generis que incorpora elements molt cinematogràfics a una història que semblaria totalment increïble si no fos perquè és real.
La cinta barreja entrevistes amb els implicats, inclòs l’enigmàtic impostor, vídeos d’arxiu i familiars i recreacions. Aquestes darreres treuen una mica de credibilitat al producte final però, tot i això, el resultat és fantàstic. La manca de verosimiltut de la historia desafia a l’espectador, que ha de lluitar contra el seu sentit comú per creure que és un documental verídic i no un mockumentary.
No ens trobem davant d’un exercici de periodisme pur i dur. De fet, tot i que els fets estan contrastats i compta amb fons de primera ma, el propi reportatge es recrea en la manca de credibilitat dels esdeveniments instigats per l’impostor. És una obra molt cinematogràfica i s’hi podrien identificar, fins i tot ,“girs de guió” si no fos perquè parla de fets que realment van succeir. És cert que cau en el sensacionalisme en alguns moments però Bart Layton és capaç de dirigir amb mestria aquest documental que, sorprenentment, té molt en comú amb els thrillers cinematogràfics.
Escrit per Elena Zafra
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Publicat a El diari del Vallès
Un Tonny Stark més humà (Iron man 3)
IRON MAN 3
(Crítica en català)
Títol original: Iron man 3
Any: 2013
País: Estats Units
Director: Shane Black
Guionistes: Shane Black y Drew Pearce.
(Basat en les novel·les gràfiques d’Stan Lee)
Repartiment: Robert Downey Jr., Ben Kingsley, Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce y Rebecca Hall.
Storyline: Un nou enemic amença Estats Units i el magnat Tony Stark, tot i no trobar-se en el seu millor moment emocional, s’enfundarà la seva armardura d’Iron man.
Iron Man no és un superheroi com la resta. No és un home solidari i encantador que anteposa el bé comú a qualsevol del seus desitjos. És un fatxenda arrogant i això el fa divertit i original. En aquesta tercera entrega Robert Downey Jr. torna a posar-se a la pell d’aquest superheroi sense més superpoder que el de la seva gran inventiva. Sense cap mena de dubte ni aquesta ni les dues pel·lícules anteriors serien el mateix sense Downey Jr. ja que no tothom pot donar-li el to adequat al carismàtic i canalla protagonista.
Allò que marca la diferencia d’aquest film respecte als precedents és que ens mostra un nou Tonny Stark (nom real d’Iron Man), un de més humà amb preocupacions i temors. Això té com a punt a favor que fa més fàcil sentir-se identificat amb l’heroi però també fa que perdi una mica la gracia de la manca de modèstia de Tonny Stark. Una altra cosa que no acaba de quallar és la incorporació d’un nen set-ciències a la trilogia. Per algun motiu que no acabo de comprendre, els guionistes americans sovint introdueixen aquest tipus de nens a les sagues per donar als protagonistes un toc paternalista i tendre però en aquest cas no enganxa gaire.
A part d’això la pel·lícula té un ritme trepidant i és divertida i entretinguda. Cal destacar especialment la memorable escena d’acció en l’avió que quedarà gravada a la retina dels espectadors. També s’agraeix la incorporació al repartiment de Guy Pearce, Rebecca Hall i Ben Kinsgley. En definitiva, diversió assegurada en un film més edulcorat que el primer i de més qualitat que el segon però que segueix l’estela de les aventures d’aquest superheroi poc convencional.
Escrit per Elena Zafra
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Publicat a El diari del Vallès
Con la piel de gallina (Los miserables)
LOS MISERABLES
Título original: Les Misérables
Año: 2012
País: Estados Unidos y Reino Unido
Director: Tom Hooper
Guionistas: William Nicholson, Alain Boublil y otros.
(Basado en la novela de Victor Hugo y en su adaptación musical)
Reparto: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne y Samantha Barks.
Storyline: Un exconvicto intenta recuperar su vida pero no es tarea fácil en el París del siglo XIX.
¿Por qué vemos cine? Porque nos entretiene, nos transporta a otros lugares, nos explica historias… pero, muy especialmente, porque nos emociona. Las mejores películas, aquellas que realmente dejan huella, son las que nos arrancan una sonrisa cómplice, las que nos humedecen los ojos o aquellas con las que, directamente, reímos a carcajadas o lloramos (con mayor o menor disimulo dependiendo de nuestro sentido del ridículo). Y tengo el inmenso placer de decir que los Miserables es una de esas películas que emocionan y dejan huella.
Oír a Anne Hathaway cantando “I dreamed a dream” pone la piel de gallina. La actriz es capaz de transmitir la agonía desgarradora de la desdichada Fantine, un papel que, sin duda, marcará un antes y un después en su carrera. Pero ella no es la única que deja boquiabierto al espectador, Hugh Jackman está deslumbrante tanto a nivel interpretativo como musical. Amanda Seyfried, a la que habíamos visto entonando en Mamma mia!, también hace un buen papel con su dulce voz dando vida a la joven Cosette y Eddie Redmayne da el do de pecho interpretando a un revolucionario enamorado que canta de un modo sorprendentemente operístico.
El toque de humor lo da una pareja de pícaros taberneros que demuestran que la vida del truhán no es tan fácil como parece. Los encargados de encarnar a estos rufianes son Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen, que ya demostraron que tenían lo que hacía falta para cantar en un musical en Sweeney Tood, el barbero diabólico de la calle Fleet. Sin duda el reparto demuestra tener grandes cualidades como cantantes, además de las de actores que ya conocíamos. Pero hay alguien que se queda atrás, un Russell Crowe que tiene el porte y la actitud necesarios para interpretar al inflexible inspector Javert pero que no posee la capacidad vocal necesaria. En los momentos en que Crowe se bate en un duelo musical con Hugh Jackman siempre tiene las de perder.
Aunque cabe remarcar una dificultad añadida: los actores no cantaban en playback, como suele suceder en las películas musicales, sino que lo hacían en directo. Esto supone un gran reto ya que los intérpretes deben actuar, moverse e incluso bailar mientras cantan, tal y como hacen los actores de musicales teatrales, y por si esto fuera poco, han de cantar durante largas horas ya que han de repetir las tomas. Pero, sin duda, si algo aporta este tipo de rodaje (que también implica dificultades técnicas) es que los artistas suelen interpretar de un modo más apasionado si realmente están cantando en vivo y en directo y, sin lugar a dudas, en Los Miserables se ha conseguido que sea así.
A pesar de todo, debo hacer un aviso a aquellos que no son muy dados a los musicales. Este film no intercala diálogos hablados con canciones, si no que prácticamente toda la película es cantada y tan sólo hay tres o cuatro frases contadas en las que los actores hablan sin tener en cuenta la melodía. De hecho el film se basa más en el exitoso musical de Los Miserables que en la novela de Victor Hugo que lo inspiró.
Sin duda la historia del film tiene fuerza: descontento social, amores apasionados y enemigos irreconciliables se unen en un ambiente de revolución en que la sangre riega las calles de un París cubierto de banderas dónde resuenan voces que reclaman justicia. Si a esto le sumamos las fantásticas canciones del musical, el extraordinario elenco que he mencionado anteriormente y un director ganador de un merecido Óscar (Tom Hooper, por el Discurso del rey) tenemos como resultado esta excelente cinta que no es tan sólo una de las grandes joyas del cine musical actual si no del de toda la historia del cine.
Escrito por Elena Zafra
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Con Hollywood de coartada (Argo)
ARGO
Título original: Argo
Año: 2012
País: Estados Unidos
Director: Ben Affleck
Guionistas: Chris Terrio
(Basado en el libro de Tony Mendez)
Reparto: Ben Affleck, Bryan Cranston, Alan Arkin, John Goodman, Clea DuVall y Tate Donovan.
Storyline: Basada en hechos reales, el film relata una operación secreta, de vida o muerte, para rescatar a seis estadounidenses en plena crisis de los rehenes de Irán.
Si un guionista hubiera inventado la trama de este film, probablemente le hubieran acusado de crear una historia inverosímil. Si no, pensadlo fríamente, Argo trata de diplomáticos estadounidenses que quieren huir de una zona en conflicto haciéndose pasar por miembros de un equipo de rodaje canadiense. Si a este le añadimos que los artífices son un agente de la CIA, un maquillador y un productor de Hollywood todo parece una broma poco elaborada. Pero “la realidad supera la ficción” es un dicho más que apropiado para definir esta historia real sucedida durante la crisis de los rehenes de Irán (1979-1981). Hace poco se desclasificó este caso después de que pasará décadas oculto en los archivos secretos de la CIA.
Cuando Ben Affleck conoció la historia se dio cuenta de las posibilidades que daba a su posible adaptación cinematográfica. Era la trama de un thriller político impactante pero también tenía un toque de humor ya que en ella Hollywood se convertía en algo así como una tapadera para huir de las revueltas. Affleck ha sabido introducir ese tono humorístico en el film ya que hace una crítica ácida y jovial de la industria de Hollywood. John Goodman y Alan Arkin serán los encargados de dar vida a los miembros del Star System que introducirán a un agente de la CIA (Ben Affleck) en el mundillo del cine. Los dos serán los encargados de dar el toque desenfadado a l film y quitar tensión a la gran incertidumbre de unas personas que deben jugarse la vida confiando en un plan descabellado.
Sin duda, la historia tiene sustancia y con ella Affleck se ha reafirmado como director. Es cierto que ya apuntaba maneras con Adiós pequeña, adiós (2007) y The Town: Ciudad de Ladrones (2010) pero con este tercer film se ha consolidado y muchos seguiremos con atención sus futuros trabajos. Affleck se une así a la lista de aquellos que han sido capaces de llegar lejos que films que tanto dirigían como interpretaban. Destacando en esta lista a Clint Eastwood y George Clooney muy especialmente.
También cabe remarcar la buena ambientación. La acción está a caballo entre finales del 79 y principios del 80 y Argo sabe situar bien al espectador con esas gafas de aviador y esos papeles pintados en las paredes, entre muchos otros rasgos distintivos de la época. Además, el film muestra un deseo de situar bien al espectador desde el primer minuto, ya que empieza con una pequeña introducción a la situación que llevó a Irán a sublevarse contra el Sha, al que Estados Unidos había respaldado.
Affleck se posiciona bastante respecto al conflicto internacional que retrata. Es cierto que muestra errores del gobierno estadounidense pero, en el fondo, lo que transmite es que los norteamericanos son los buenos de la historia. Incluso hay alguna que otra bandera estadounidense que ondea como reflejo de un patriotismo bastante innecesario. Aunque dada la historia era de esperar que el espíritu americano se abriera camino aunque no se hace demasiado pesado.
Desde luego no es un film fiel a los hechos, no tiene el enfoque de Syriana (2005) o Munich (2005) sino que busca crear un producto algo más blockbuster pero sin perder calidad. Una muestra de ello es un final muy peliculero y nada realista pero sí tenso y no apto para todo aquél que se muerda la uñas. Utiliza todo tipo de recursos para inquietar a los espectadores, incluso algún que otro tópico, como coches que no arrancan. Pero todo ello lo hace al servicio de un desenlace adecuado para un film que es un thriller político pero que también es una historia de cine dentro del cine.
Escrito por Elena Zafra
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Muerto pero enamoradizo (Memorias de un zombie adolescente)
MEMORIAS DE UN ZOMBIE ADOLESCENTE
Título original: Warm bodies
Año: 2013
País: Estados Unidos.
Director: Jonathan Levine
Guionista: Jonathan Levine
(Basado en una novela de Issac Mation)
Reparto: Teresa Palmer, Nicholas Hoult , Dave Franco, Rob Corddry , John Malkovich , y Analeigh Tipton.
Storyline: Un muerto viviente existencialmente atormentado mantiene una curiosa relación con la novia de una de sus víctimas.
Cuando los creadores del film buscaban inversores es más que probable que les destacaran lo mucho que “se llevan” los zombies y el aire de romanticismo crepuscular que impera en la historia. Si ahora los entrevistáramos seguramente negarían tal cosa, especialmente la comparación entre su enamoradizo zombie con los resplandecientes vampiros de Stephenie Meyer, pero las similitudes son innegables.
A todos aquellos a los que la simple mención de Crepúsculo les causa urticaria les recomiendo que continúen leyendo porque Memorias de un zombie adolescente podría ser de su agrado por mucho que no lo parezca a simple vista. A los Twihearts también podría resultarles entretenida si tienen en cuenta que se trata de una comedia ligera y simpática menos solemne que la de los chupa-sangre vegetarianos.
La película es romántica, sí. Adolescente, puede, pero no tanto como lo que da a entender su título en castellano. De hecho, el original es “Warm bodies” (Cuerpos cálidos). Esta es una muestra más de los cambios que se ejercen en los títulos al traducirlos al castellano y que a menudo caen en un descriptivismo ridículo. Es como si creyeran que a los castellanoparlantes nos da pereza leer la sinopsis y pretendieran condensarla en el título.
Dejando esto a un lado, la cinta no tan sólo sigue la estela de otros films romántico/fantásticos sino que bebe de la moda los zombies presente tanto en series como en películas (The Walking dead, Guerra mundial Z, In the Flesh…).
Aun así no se la puede clasificar como una película de muertos vivientes al uso. El humor tiene un papel fundamental en el film y el apocalipsis es más bien algo secundario. Algunos gags son realmente muy divertidos y nos recuerdan a Zombieland (2009) aunque la violencia es algo más descafeinada.
La película es ligera, positivista y deja buen sabor de boca. En general, sus personajes resultan simpáticos y entrañables, especialmente el zombie protagonista y la mejor amiga de su enamorada (a la que ojalá le otorgaran algunas frases más). Más difícil es conectar con la protagonista humana, un personaje tan plano y poco interesante como el de su padre, sorprendentemente interpretado por John Malkovich.
Memorias de un zombie adolescente nos ofrece un entretenido viaje entre el amargo apocalipsis zombie y el dulce romanticismo adolescente aderezado por un buen sentido del humor y muchas ganas de parodiar ambas corrientes.
Lo mejor: El “buenrollismo” de esta parodia.
Lo peor: Es algo cursi aunque sabe compensarlo con un buen ritmo y sentido del humor.
Nota: 6,5
Escrito por Elena Zafra
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Publicado en Trailers y estrenos
Lluitar contra la llei de la gravetat (Un amor entre dos mundos)
UN AMOR ENTRE DOS MUNDOS
(Crítica en català)
Títol original: Upside Down
Any: 2012
País: Estats Units
Director: Juan Diego Solanas
Guionista: Juan Diego Solanas
Repartiment: Kirsten Dunst, Jim Sturgess, Timothy Spall, John Maclaren, Agnieshka Wnorowska i Neil Napier.
Storyline: Un noi s’enamora d’una noia que viu en un món invertit amb la seva propia gravetat, directament a sobre del seu planeta, però fora del seu abast.
Les pel·lícules romàntiques han canviat. Avui en dia no es porten les histories d’amor convencionals, s’ha d’afegir una mica de fantasia o de ciència ficció per salpimentar la cinta. En aquesta ocasió ens trobem amb dos enamorats que no toquen gaire de peus a terra, en el sentit més literal de l’expressió.
El Romeu y la Julieta del film viuen en dos mons diferents (segueixo parlant de forma literal). Són uns planetes molt propers, tant que es pot veure els habitants de l’altre món, però les seves gravetats són oposades així que des d’un planeta sembla que els de l’altre estiguin “cap per avall”.
Tot plegat és un sense sentit que faria ballar el cap del pobre Issac Newton però que serveix per dotar la historia d’amor d’una gran grandiloqüència i bellesa. Si traguéssim aquesta ambientació eclèctica i sorprenent, tot i que una mica marejant, la historia que seria bastant insípida i molt tòpica però amb ella tot adquireix solemnitat.
Un dels enamorats (Jim Sturgess) viu al món d’abaix, on tot és pobresa i desolació i qui ocupa el seu cor és una afortunada habitant del ric món d’adalt (Kirsten Dunst). Els dos amants hauran de lluitar contra les diferencies socials i econòmiques que els separen però, molt especialment, amb el fet que la gravetat els empeny en direccions oposades. Així doncs, Kristen Dunst, que ja havia besat a un noi que estava cap per avall a Spiderman (2002), ho tornarà a fer però per motius diferents.
Cal dir que visualment és impecable, brillant i magnètica. Sense cap mena de dubte és capaç de deixar-nos amb la boca oberta però és una llàstima que la forma superi el contingut tot i que el resultat final sigui prou entretingut.
Escrit per Elena Zafra
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Publicat a El diari del Vallès
Ladrones de corazones (La huésped – The host)
LA HUÉSPED (THE HOST)
Título original: The host
Año: 2013
País: Estados Unidos.
Director: Andrew Niccol
Guionista: Andrew Niccol
(Basado en una novela de Stephenie Meyer )
Reparto: Saoirse Ronan , Jake Abel, Max Irons, William Hurt y Diane Kruger.
Storyline: Una chica lucha contra la extraterrestre que ha invadido su cuerpo para volver con sus seres amados, miembros de la resistencia a los alienígenas.
No es de extrañar que el fenómeno Crepúsculo haya impulsado una adaptación cinematográfica de la novela que escribió previamente su autora. Aún queda por ver si la escritora Stephenie Meyer es capaz de ejercer de rey Midas y convertir en oro todo lo que toca. De entrada todo parece indicar que el film podría ser del agrado de los Twihearts (fans de Crepúsculo) ya que también se basa en una historia de amor enmarcada en un contexto inusual. La diferencia deriva en que si en el film protagonizado por los Robsten, el género fantástico era el que se abría paso a través del romance, en esta ocasión es la ciencia ficción la que servirá de telón de fondo.
Stephenie Meyer ha descrito el contexto de su historia como una Tierra en que “en La invasión de los ultracuerpos los aliens hubiesen ganado”. Así pues, la cinta muestra un mundo ocupado por unos extraterrestres que se adueñan del cuerpo de los humanos y les borran la mente pero en el que aún hay lugar para el amor.
El encargado de llevar a la gran pantalla este relato es Andrew Niccol, director de la aclamada Gattaca (1997) además de escritor del guion de El show de Turman (1998) por el que fue nominado a un Óscar. Así pues, muchos tenían grandes esperanzas depositadas en que Niccol consiguiera buenos resultados en este film. Por desgracia, The host (La huésped) no está a la altura de las expectativas.
Algunas escenas son tediosas, especialmente aquellas en que la humana protagonista (Saorise Ronan) mantiene un diálogo interno con la extraterrestre que ha ocupado su cuerpo. Aun así la saga Crepúsculo tampoco se caracterizaba por tener un gran ritmo y The host (La huésped) es algo más rápida. En cualquier caso, el film cuenta con algunos momentos de acción que parecen metidos con calzador para intentar satisfacer a los acompañantes que no querían ver una película romántica pero se han visto obligados a hacerlo. Aquello que resulta especialmente molesto es su pésimo montaje, que llega a provocar que cueste seguir bien la historia en algunos puntos, y que tiene importantes errores de Racord.
De las interpretaciones poco a decir aparte de que Saorise Ronan es tan inexpresiva como extraterrestre que como humana y que sus dos pretendientes tampoco están demasiado acertados. A pesar de ello se ha de admitir que el guion es divertido en el algunos momentos, aunque cuesta saber en cuáles de ellos lo hace intencionadamente y en cuáles no.
En definitiva, que Andrew Niccol dirija “la nueva” de Meyer no ha sido la buena noticia que esperábamos. El director se maneja como pez en el agua dentro de la ciencia ficción pero la cinta es realmente deficiente. A pesar de ello, es probable que los seguidores de la saga Crepúsculo encuentren al sustituto que buscaban en la cinta. A aquellos que ya están cansados de tanto amor adolescente les recomiendo que se alejen de las salas porque Meyer ya ha anunciado que tiene la intención de convertir The host (La huésped) en una trilogía. Así pues, si los resultados en taquilla son buenos, es más que probable que volvamos a encontrarnos con estos alienígenas que roban tanto cuerpos como corazones.
Lo mejor: Algún momento divertido, ya sea intencionado o no.
Lo peor: Un montaje muy mal articulado.
Nota: 4
Escrito por Elena Zafra
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Resucitando el clásico (Ana Karenina)
ANA KARENINA
Título original: Anna Karenina
Año: 2012
País: Reino Unido y Francia.
Director: Joe Wright
Guionista: Tom Stoppard
(Basado en la novela de León Tolstoi)
Reparto: Keira Knightley , Jude Law, Aaron Johnson , Alicia Vikander, Domhnall Gleeson y Matthew Macfadyen.
Storyline: La pasión de dos adulteros revoluciona la alta sociedad rusa a finales del siglo XIX,
Un rumor se extiende como la pólvora en una sociedad en que cualquier infracción de las normas implica un severo castigo. Nos situamos en la Rusia de finales del siglo XIX para reencontrarnos con Ana Karenina, el personaje que León Tolstoi creó para reflejar la realidad de la opresora clase alta de la época. Todos conocemos con mayor o menor detalle la historia de esta mujer que pagó un alto precio por su adulterio, un relato con mucho en común con La Letra escarlata británica y La Regenta española.
Los ejes centrales de la narración son: el honor, ese concepto cambiante pero fuertemente arraigado en los grandes relatos cinematográficos y literarios, y el amor, que es el detonante de la mayoría de las alegrías pero también de las desdichas, de los personajes de ficción. Esta nueva versión del clásico reemprende ambos temas y pretende resucitar el clásico inyectándole modernidad y, muy especialmente, esteticismo y una gran plasticidad.
Joe Wright, que dirige por tercera ocasión a Keira Knightley, mantiene la esencia del clásico pero, a la vez, lo moderniza utilizando principalmente dos estrategias: la síntesis y la estilización de la imagen.
Al hablar de síntesis pretendo decir que el film consigue transmitir una historia de más de mil páginas en unas entretenidas dos horas y 10 minutos. Es cierto que mucho de la novela se pierde en el camino pero se hace en pos de la creación de un producto cinematográfico más sucinto y atractivo al gran público.
Respecto a la estilización de la imagen de Ana Karenina (2012) se podría decir mucho, especialmente de su original escenografía. Gran parte del metraje se sitúa en el interior de un teatro imponente que sirve para albergar desde un opulento baile hasta una pista de hielo o una carrera de caballos. Visualmente es impresionante y, a nivel narrativo, consigue hacer tangibles los sentimientos de la protagonista, que se siente observada y juzgada, como si viviera siempre sobre un escenario soportando el constante escrutinio de las miradas de un público que es la rígida y despótica sociedad que la rechaza
Aunque de poco serviría tal despliegue de medios y de riqueza estética de no ser por el buen trabajo de una Keira Knightley capaz de interpretar los matices del complejo personaje. La joven británica, además, está acompañada por un reparto más que correcto del que cabe destacar a Jude Law, que interpreta a su marido.
Ana Karenina (2012) inyecta vida a uno de los grandes clásicos renovándolo con una estética elegante e impecable en que lo teatral y lo onírico se entremezclan consiguiendo emocionar y maravillar al espectador al mismo tiempo.
Lo mejor: Su impresionante puesta en escena.
Lo peor: Algún personaje no queda lo suficientemente definido.
Nota: 8
Escrito por Elena Zafra
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